miércoles, 30 de diciembre de 2020

¿Por que comenzamos el año en invierno?








Helios, el dios sol, en su carro
(circa 400-300 a.C.)


Base de cuenco de plata dorada
British Museum. Londres





Este cuenco de plata dorada fue hallado en una tumba de Elis (sur de Grecia). En su base, una representación de Helios, el dios sol, coronado de rayos, conduciendo su carroza, probablemente una alusión simbólica a una nueva vida. El mito del eterno retorno, se basa muchas veces en los ciclos de la naturaleza, en la que cuando todo parece perdido, renace nuevamente. Como el día que amanece cada mañana; como el año, que toma nueva vida en primavera

Estas consideraciones nos plantean una pregunta: ¿por qué celebramos el cambio de año en pleno invierno? ¿no sería más lógico celebrarlo en primavera, cuando todo parece reiniciarse? 

De hecho así era en tiempos remotos. Por eso el zodíaco comienza en Aries, signo en el que tiene lugar el equinoccio de primavera. Sin embargo los romanos trasladaron el inicio del año al invierno, cuando se celebraban las saturnales, fiestas de excesos, consagradas a Saturno, el dios del Tiempo, que todo lo devora, y de que nosotros hemos transformado en nuestras fiestas de Navidad y Año Nuevo.  


Estatua de Jano, el dios de las dos caras,
que miraba a la vez al pasado
y al futuro y que dió nombre al mes de enero.
Museos Vaticanos Roma


La razón es que en este momento del solsticio invernal es cuando el sol renace. Los días comienzan a alargarse, y el sol que parecía que iba a morir toma nueva  fuerza. Es el renacimiento del sol el que celebramos. 

Así nos lo explica Ovidio, en su obra Fastos, que trataba de las fiestas del año. En esta ocasión el poeta conversa con el dios Jano, el de las dos caras, que miraba al pasado y al futuro y que dio nombre al mes de enero (Januarius). Ovidio pregunta al dios bifronte la razón de celebrar el comienzo del año en invierno, a lo que Jano le responde que Febo (el sol) y el año toman el mismo comienzo:  
“Dime, por favor, ¿por qué comienza el Año Nuevo con los fríos, cuando más bien debería comenzar en primavera? Todo florece entonces; entonces hay una fase nueva de tiempo y se hincha la yema nueva en la vid preñada; el árbol se cubre de hojas recién formadas y el tallo de la semilla asoma en la superficie del suelo;  los pájaros endulzan el aire tibio con sus cantos orquestados y los rebaños juegan y retozan en los prados. Entonces los rayos del sol son suaves y sale la golondrina exótica y fija en la viga alta su nido de barro; entonces permite el campo su cultivo y se renueva con el arado. Con justicia había que llamarlo el Año Nuevo”. 
Le había preguntado por extenso; él, sin detenerse mucho, redujo sus palabras a dos versos de la siguiente manera: 
“El invierno es lo primero del Año Nuevo y lo último del viejo; Febo y el año toman el mismo comienzo”.
Dixerat, et vultu, si plura requirere vellem,  
Se mihi difficilem non fore, fassus erat:  
Sumpsi animum, gratesque deo non territus egi, 
Verbaque sum spectans pauca locutus humum:  
Dic, age, frigoribus quare novus incipit annus,  
Qui melius per ver incipiendus erat? 
Omnia tunc florent, tunc est nova temporis aetas,  
Et nova de gravido palmite gemma tumet, 
Et modo formatis operitur frondibus arbos,  
Prodit et in summum seminis herba solum, 
Et tepidum volucres concentibus aëra mulcent,  
Ludit et in pratis luxuriatque pecus. 
Tum blandi soles, ignotaque prodit hirundo,  
Et luteum celsa sub trabe fingit opus. 
Tum patitur cultus ager, et renovatur aratro.  
Haec anni novitas jure vocanda fuit. 
Quaesieram multis: non multis ille moratus,  
Contulit in versus sic sua verba duos: 
Bruma novi prima est, veterisque novissima solis:  
Principium capiunt Phoebus et annus idem.
(Ovidio, Fastos, I, v. 145 y ss(Traducción de Bartolomé Segura Ramos. Editorial Gredos, 2001)

Sirva este fragmento para comentar la relación del ciclo anual con el solsticio solar. 




"Dies solis". Helios en el carro del sol.
Fragmento del Tapiz de la Creación (s. XI)
Museo de la Catedral de Girona

























No en vano el emperador Constantino trasladó el día de Navidad también al día del solsticio solar. El Día del Sol Invicto se transformó así en la fiesta de Navidad en los países católicos  (la Iglesia Ortodoxa la sigue celebrando el día de la Epifanía, el 5 de enero). 

En todo caso, os deseo un feliz y venturoso año nuevo. Disfrutad de los beneficios del sol y recordad que os debéis exponer a sus rayos de forma prudente. ¡El radiante Helios no siempre tiene misericordia de los humanos!   





martes, 29 de diciembre de 2020

Navidad igualitaria


 



Jean Colombe  

Libro de Horas de Besançon

(1470 circa)

Miniatura. 
Biblioteca municipal de Besançon 





Los libros de horas fueron devocionarios bastante habituales en la Edad MediaContenían una recopilación escrita para el uso de los fieles que responde a los deseos piadosos de éstos entre los siglos XII y XVI. Expresaba el alma religiosa de sus contemporáneos, sus preocupaciones y su manera de orar a Dios y a los santos. El Libro de Horas fue el libro de oración de la Edad Media, de sus textos podemos inferir los sentimientos del alma popular, que sus abundantes imágenes permiten completar más todavía. La composición de los Libros de Horas manuscritos no estaba controlada de la Iglesia. El copista los disponía a su manera, añadiendo oraciones a su gusto e incluso textos puramente profanos. Solían contener casi siempre un calendario, el oficio de la Virgen, letanías de los santos y el de difuntos.  

Las ilustraciones estaban realizadas minuciosamente con pan de oro y pigmentos preciosos (como lapislázuli triturado para obtener el color azul) lo que hacía que estos libros fueran costosos objetos de lujo. Cada libro de horas es único, debido a que se realizaba exclusivamente para una determinada persona (generalmente por su elevado coste miembros de la aristocracia). Muchos de los libros estaban destinados a mujeres de la nobleza y solían ser valiosos regalos de boda. 



Libro de horas de Besançon


La ilustración que encabeza esta entrada corresponde al libro conocido como el libro de horas de Besançon. Recientemente, con motivo de las fiestas navideñas una de las lectoras habituales del blog, Coral Romà, me ha hecho llegar esta ilustración, lo que les agradezco especialmente. 

Enseguida llama la atención un aspecto inesperado. En una de las miniaturas, María aparece en la cama, descansando tras el parto (lo que supone un detalle naturalista que ya no era muy frecuente en el s. XV, como hemos visto en otra entrada del blog). La reciente madre aparece leyendo, probablemente un texto sagrado, mientras que un solícito José esta meciendo al niño para que se duerma. 



Miniatura del libro de horas de Carlos VIII de Francia,
en la que aparece San José cocinando. 


También debo dar las gracias a mi amigo y antiguo compañero de aulas de la Facultad de Medicina, el Dr. Fernando Barcenilla, que me ha enviado en estas fiestas navideñas otra miniatura de otro libro de horas. Corresponde en este caso al libro de horas de Carlos VIII de Francia, escrito a finales del s. XV, y que se conserva en la Biblioteca Nacional de España, en Madrid. Las ilustraciones en este caso se enmarcan en una especie de marcos arquitectónicos y su autoría se atribuye al maestro Jacques de Besançon. 

En este caso se representa una escena cotidiana de la Sagrada Familia. Jesús, ya algo más crecido, está aprendiendo a andar con la ayuda de una especie de taca taca. Dos ángeles le guían, ante la atenta mirada de María. José, por su parte, prepara la comida, cocinando algo en el fuego de la chimenea. 

Ambas escenas reflejan una actitud igualitaria entre hombres y mujeres verdaderamente modélica, compartiendo tareas y huyendo del modelo de familia patriarcal, jerárquica y de roles diferenciados, que tantos problemas suele acarrear. Una actitud que puede ser frecuente en el s. XXI, pero que no nos parecía tan habitual en el s. XV. Lo que nos induce a pensar que en aquel tiempo también había familias en las que la mujer tenía acceso a la cultura y no era tan relegada a las tareas del hogar como a veces tendemos a pensar. 



Un aspecto del libro de horas de Carlos VIII de Francia,
conservado en la Biblioteca Nacional de España. 








viernes, 25 de diciembre de 2020

Natividad en una vidriera oculta






La Natividad de Jesús 
(s. XIII)

Vidriera 
Capilla del Corpus Christi. 
Catedral de Girona




En el día de Navidad quiero felicitar a todos los lectores del blog con una vidriera muy antigua que se ha recuperado hace poco. 

Se trata de una escena de una vidriera medieval de la catedral de Girona, que hace poco fue descubierta después de haber estado oculta durante siglos. La vidriera es de calidad excepcional, y muy antigua. La vidriera figurativa más antigua de Catalunya. 

Recientemente se emprendieron los trabajos de limpieza y restauración de la capilla del Corpus Christi de la catedral de Girona, también llamada capilla de San Francisco y San Martín. Una capilla que está casi por completo cubierta por un retablo renacentista. El retablo, datado entre 1560 y 1570 tiene una Santa Cena como escena central, y presenta pinturas de muy buena calidad del pintor Perris de la Rocha, pero que casi no se podían ver por la importante capa de polvo. 

Antes de la presentación oficial de la vidriera, el director del Museo de la Catedral, Joan Piña, habitual lector de este blog, me comunicó que se había hallado tras el retablo una vidriera muy antigua, en la que al parecer podría haber participado Lluís Borrassà, el gran artista del gótico internacional catalán. Además, la vidriera probablemente presenta fragmentos más antiguos, trozos reutilizados de otra vidriera de la primitiva catedral románica. En Girona hubo una catedral románica de la que solamente se conserva en la actualidad el claustro y uno de los campanarios, la llamada Torre de Carlemany, ya que fue reemplazada por la actual catedral gótica. 

Hace un año se presentó oficialmente la vidriera descubierta por el equipo de restauración. Ahora los expertos han emprendido su estudio y restauración, antes de que pueda ser exhibida como se merece. Desde aquí nos congratulamos de esta nueva pieza que pasa a engrosar el ya abultado patrimonio de la catedral de Girona y felicitamos efusivamente a Joan Piña y sus colaboradores habituales así como a todo el equipo que trabaja en la restauración de la capilla.

Una de las escenas de la vidriera es una imagen navideña. Por cierto que la Virgen aparece recostada, en la postura más lógica tras un reciente parto. Me ha parecido que la imagen de la Natividad de esta vidriera era la manera más oportuna y adecuada de felicitar la Navidad a todos los lectores de este blog. 


Felices Fiestas!

jueves, 24 de diciembre de 2020

El parto de María

 






La Natividad de Jesús 
(s. XII)

Capitel del claustro 
Monasterio de Sant Pere de Galligants. 
Girona



En las escenas medievales del nacimiento de Jesús, suele aparecer María recostada y muchas veces en el lecho, como corresponde a una mujer que acaba de parir. Así lo vemos en el capitel del claustro de Sant Pere de Galligants, de Girona, con el que encabezamos esta entrada: María aparece en la cama en primer término y el Niño en su cuna rodeado del buey y la mula más allá. Un modelo que encontramos repetido en otras Natividades medievales, como en otros ejemplos que aportamosde lo que aportamos. Es curioso un hecho sobre el que me ha llamado la atención Miquel del Pozo, arquitecto y un magnífico comentarista y divulgador de arte, al que le agradezco su observación y que analizaremos a continuación.. 


El Nacimiento de Jesús» de Giotto Di Bondone | Arte renacentista, Pinturas  de artistas famosos, Pinturas de pintores famosos

Giotto: Nacimiento de Jesús. Fresco. Capilla Scrovegni. Padua. 
Obsérvese que María todavía aparece en postura recostada,
y toma al Niño para que permanezca con ella en su lecho. 


El hecho es cuestión es que a finales de la Edad Media hay un cambio de paradigma en lo que se refiere a la postura de la Madre de Jesús. En muchos casos, María aparece arrodillada, de pie o sentada, pero cada vez se representa menos acostada. Por qué este cambio de posición? Es casual o tiene algún significado? 



Capitel con escena de la Natividad de Jesús (s. XII-XIII)
Claustro del monasterio de Sta. María de l'Estany (Catalunya) 


QUINA LA FEM?: [1786] Nativitat medieval

Nacimiento. Tabla de Sta. María de Sagàs (s. XII). Museu de Solsona. 


La respuesta, como señala del Pozo, es un cambio teológico a partir de una de las visiones místicas de Santa Brígida a mediados del s. XIV. 

Santa Brígida de Suecia (1303-1376) fue una religiosa y mística escandinava, de origen aristocrático, fundadora de la Orden del Santísimo Salvador. Sostenía que estaba en contacto directo y constante con Jesús y experimentó varias visiones que sentaron una interpretación religiosa que tuvo una gran influencia en su época. Una de las visiones era sobre la naturaleza de la Santísima Trinidad, y otra de ellas, la que nos interesa en relación a la postura de María, sobre el nacimiento de Jesús.



Natividad, con María recostada (s. XII-XIII).
Santa Maria de Cardet o de les Cabanasses. Vall de Boí.  


Según su visión, santa Brígida sostenía que el parto de María fue un parto milagroso, indoloro e incruento. Un nacimiento   prodigioso, que fue expresado en las representaciones artísticas con el cambio de postura de la madre. Si el parto no había comportado dolor ni sangre, no había motivo para representar a María recostada, ya que no tenía necesidad de recuperarse. Podía representarse arrodillada (según la visión mística, Jesús nació mientras su madre estaba rezando). La virginidad de María quedó preservada, según la doctrina de la Iglesia Católica, antes, durante y después del parto, por lo que a María se le llama habitualmente la Virgen.

Además se reforzaba el aspecto divino de Jesús sobre su naturaleza humana. En vez de lavarlo, acariciarlo y arroparlo, como suelen hacer las madres mortales, María lo adora, como Dios encarnado que es.  


La Natividad» de Fra Angélico | Arte renacentista, Producción artística,  Arte en italia

Fra Angelico: Escena de Natividad. Convento de San Marco. Florencia (1441)
El Niño Jesús está casi abandonado en el centro de la escena, como personaje divino. María y José lo adoran reverencialmente, arrodillados y a una cierta distancia, a los que el pintor añade dos santos de tradición dominicana, como el propio Fra Angelico, que aparecen de forma anacrónica (en sacra conversazione): San Pedro Mártir y Santa Catalina de Siena. 


Los nacimientos con la madre en la cama suelen reservarse para el propio nacimiento de María. En este caso es su madre, Ana, la que yace en la cama, mientras que la niña es lavada y arropada por otras mujeres (generalmente fajada para prevenir la hernia umbilical). En estas escenas no suele faltar un brasero para garantizar una temperatura adecuada al bebé. También suelen llevarle a la madre caldo de ave y huevos, para que se restablezca de los trabajos pasados en el parto. Todos estos detalles nos dan una gran información de como eran los partos en la Edad Media



Hermanos Limbourg: Miniatura del libro Las muy ricas horas del duque de Berry (1415).
En este caso, el Niño parece descender suavemente en vertical, proyectado por Dios
Padre y trasladado a la tierra por un pequeño coro de ángeles.
Toda una declaracion teológica, como la que se derivade la visión de
Santa Brígida. Obsérvese también la estructura arquitectónica medio derruída. 

En cambio, nada de esto sucede en las escenas del nacimiento de Jesús. El niño es objeto de veneración y permanece muchas veces semidesnudo en el suelo, con poca relación con su Madre. A veces está recostado en un pesebre o en una cuna con aspecto de arca o de féretro, prefiguración de que se encarna para morir, que ha nacido para redimir a los humanos. Solamente la mula y el buey, con su aliento le dan el calor que necesita un recien nacido, como ya había profetizado Isaías. 

Por lo tanto, a diferencia del nacimiento de María, poca información dan las escenas del nacimiento de Cristo sobre los usos y costumbres de la época en los partos. Incluso la portura de María hay que entenderla en una clave teológica, no en un documento de información histórica. 

La Natividad (El Greco, Illescas) - Wikipedia, la enciclopedia libre

El Greco: Natividad (1603)
En este caso, María toma el lienzo en el que está depositado Jesús de forma reverente, por las puntas, más como quien toma un objeto sagrado que como haría una madre solícita con su hijo recien nacido. José también hace un ademán y se echa hacia atrás, como ante un hecho prodigioso. 

Otro tanto sucede con otros aspectos del pesebre. José, que no es lo que hoy llamaríamos padre biológico, se representa como un viejo (tal vez para ahuyentar toda sombra de sospecha de vida marital con María) y en todo caso, algo apartado, ajeno al misterio de la Encarnación. A veces incluso no aparece en primera línea, y frecuentemente caviloso y pensativo. 

En cuanto al entorno, suelen aparecer edificios en ruinas o con el techo semiderruído. La interpretación simbólica es que la vieja religión pagana está derrumbándose y será sustituída pronto por el cristianismo naciente. Como vemos en estas representaciones, cualquier detalle puede tener un significado. Hasta la postura de María. 


Natividad (Piero della Francesca) - Wikipedia, la enciclopedia libre

Piero della Francesca. Natividad. National Gallery. Londres. 
Obsérvese la posición reverencial de María, que no es la habitual en
una madre, a pesar que el Niño tiene un gesto algo abandonado. 

sábado, 19 de diciembre de 2020

Mi lección de anatomía





Valeria Cannata

Mi lección de anatomía 

(2020)

Fotografía digital / Edición digital / Digital print  100x150 cm





Valeria Cannata es una dermatóloga argentina, de Tucumán. Además de su profesión, siempre ha experimentado un gran interés por el arte y actualmente está terminando sus estudios de Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Tucumán. Es una experimentada fotógrafa, con un interés especial por la macrofotografía, especialmente sobre temas de la naturaleza, aves y pequeños animales en general. Como fotógrafa ha sido galardonada en numerosas ocasiones con numerosos premios a nivel nacional e internacional.

El interés de la Dra. Cannata por el arte le ha llevado a formar parte de un activo grupo de Medicina y Humanidades en la Universidad de Tucumán, con los que he tenido el honor de colaborar en diversas ocasiones, en cursos y conferencias y en el Boletín que publican.

Valeria Cannata también realiza trabajos artísticos, como el que comentamos hoy. Se trata de una relectura de la famosa Lección de anatomía del Dr. Tulp, de Rembrandt. Aprovecha el famoso retrato de grupo de los cirujanos de Amsterdam para reinterpretarlo, sustituyendo los personajes con retratos de mujeres que han destacado en la medicina o en otras ramas de la ciencia o del saber. La obra adquiere así el valor de un manifiesto, reivindicando el papel, hasta hace poco olvidado o relegado, de la mujer en las Ciencias de la Salud. La autora comenta así la intencionalidad de su obra: 
"Muchas mujeres se destacaron a lo largo de la historia ya sea como filósofas, astrónomas, escritoras, artistas, matemáticas, físicas o médicas, pero tuvieron que trabajar en la clandestinidad para escapar de la sospecha de brujería y de la opresión a la que estaban sometidas por parte del patriarcado y por la sola condición de ser mujeres. La presencia femenina en la ciencia fue negada desde el principio de los tiempos pero siempre hubo alguna mujer valiente que pudo dedicarse a su vocación. Aunque hoy en día el número de mujeres en la universidad supera al de los hombres, y si bien la presencia de las mujeres en los
ámbitos científicos a dejado de ser una rareza, siguen sin alcanzar las posiciones directivas y de poder de sus colegas masculinos."
Tampoco la elección del cuadro de Rembrandt para inspirarse ha sido casual. En la lección de anatomía del genial pintor holandés  solamente aparecen hombres, e incluso el preparado anatómico que estudian es el cuerpo de un varón. Es lógico y refleja la situación de la época. La medicina y la cirugía estaba entonces vedada a las mujeres. Habrá que esperar al último tercio del s. XIX para que las mujeres pudiesen asistir a las clases en las facultades de Medicina y graduarse como médicas. Y lo mismo sucedía con muchas otras ramas de la ciencia y del pensamiento. 

Así, Cannata dispone su obra, que titula "Mi lección de anatomía", subrayando su personal visión de unas mujeres que han realizado contribuciones importantes a diversos campos de la investigación y al conocimiento humano. 

Aunque estoy seguro que los lectores identificarán en seguida a muchas de las retratadas, facilitaremos sus nombres y su localización en el cuadro: 



1- Hildegard von Bingen (1098-1179). Monja alemana, que destacó como científica, música, naturalista, y médica.

2- Trótula de Salerno (1050-1097). Médica cirujana, ginecóloga.

3- Florence Nightingale (1820-1910). Enfermera, pionera de la enfermería profesional moderna.

4- Hipatia (360-415). Astrónoma, matemática, filósofa.

5- Gertrude Belle Elion (1918-1999). Farmacéutica. Desarrolló 45 tratamientos contra el cáncer.

6- Marie Curie (1867-1934). Física e investigadora, estudió la radiactiviodad.

7- Rosalind Franklin (1920-1958). Descubrió la estructura del ADN y los virus.

8- Gerty Cori (1896-1957). Bioquímica, primera mujer galardonada con el Premio Nobel de Fisiología y Medicina (1947).

9- Metrodora (200-400 d.C. circa) Médica, escribió importantes tratados de Medicina.

10- Cecilia Grierson (1859-1934) Primera médica argentina (1889).

11- Margaret Ann Bulkley (1795-1865) Médica cirujana que para ejercer se hizo pasar por hombre con el nombre de Dr. James M. Barry

12- Rebecca Lee Crumpler (1831-1895) Primera médica afroestadounidense.

13- Agnodice (s V aC.) Primera médica y ginecóloga griega.

14- Clara Barton (1821-1912) Enfermera, fundadora de la Cruz Roja.

Finalmente el preparado anatómico (15) también corresponde en este caso a una mujer anónima, que donó su cuerpo para finalidades de estudio y docencia a la Cátedra de Anatomía de la Facultad de Medicina de la UNT.

Felicito a la Dra. Valeria Cannata, colega y amiga, por la realización de esta obra y por permitirme comentarla en este blog, que ella lee habitualmente. Le deseo mucho éxito en este intento compartido de unir arte y medicina.  

jueves, 17 de diciembre de 2020

Cáncer de mama y surrealismo






Ángel Planells

La dona impúdica
(1933)

Óleo sobre tela 101,5 x 71 cm 
MNAC. Barcelona. 




Ángel Planells i Cruañas (1901-1989) fue un pintor vanguardista catalán vinculado con el surrealismo. 

Conoció a artistas como Eliseu Meifrèn, Juan Roig i Soler, Salvador Dalí, René Magritte, Ángel Ferrant, y Maruja Mallo, que le influyeron y lo decantaron hacia el surrealismo, en la llamada pintura lógicofobista. Sin embargo su pintura alternó cuadros surrealistas con otros más realistas de paisajes marinas y bodegones. A partir de 1974 fue reconocido como uno de los pintores surrealistas más importantes del s. XX. 

La presente obra, La dona impúdica, es una de las obras surrealistas más destacadas de Planells. En ella se combinan elementos duros y blandos, rocas y carne, lo material y lo onírico, características que recuerdan a la obra de Dalí y con algunos juegos visuales de Magritte. 

Llama la atención el pecho izquierdo de la mujer, con un pezón transformado en un cuadrante. Un poco más arriba, cerca de la axila, una forma imprecisa evoca una calavera. Unos símbolos inquietantes que parecen evocar una posible referencia insinuada a un cáncer de mama, aunque se trata de una interpretación muy personal. La insinuación de la enfermedad viene reforzada por una forma de cara femenina que mordisquea la piel del hombro de la mujer. 

La mujer impúdica es en todo caso una obra de arte que consigue intrigar al espectador sumergiéndolo en un mundo onírico que despierta en quien lo contempla todo tipo de inquietudes. 

martes, 15 de diciembre de 2020

La COVID19 en animales



Riña de gatos - Francisco de Goya - Historia Arte (HA!)




Francisco de Goya y Lucientes

Riña de gatos (detalle)

(1786)

Cartón para tapiz 
Museo del Prado. Madrid. 


Riña de gatos es un cartón para tapiz pintado por Goya en 1786. Fue encargado al pintor entre los años 1786 y 1787. El tapiz debía formar parte de la decoración de las estancias de los Príncipes de Asturias, en el palacio de El Pardo. En aquel momento los príncipes eran el futuro Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma. 

El proyecto ornamental del salón consistía en las Cuatro Estaciones y una serie de escenas descritas como "pinturas de asuntos jocosos y agradables". El cartón de los gatos tiene una forma muy alargada y una perspectiva muy forzada, por lo que se puede deducir que su destino era la decoración de una sobreventana. Formaba pareja con una escena con vuelos de pájaros, del que se ha perdido el cartón original y solo conocemos el tapiz resultante. Los tapices no llegaron nunca a colgarse en su destino porque en diciembre de 1788 murió el rey Carlos III, y su sucesor, su hijo Carlos IV no se interesó en decorar ese palacio.


Pelea de gatos en una despensa - Colección - Museo Nacional del Prado

Paul de Vos: Pelea de gatos en la despensa. 

Otro cuadro sobre un tema parecido es el realizado por el pintor Paul de Vos (1746) que representa una pelea de gatos en la cocina o en la despensa, siguiendo las temáticas de bodegones con escenasó anecdticas pintadas por su maestro, Franz Snyders. El cuadro aparece marcado con una flor de lis en su ángulo, ya que perteneció a la colección de Isabel de Farnesio, que marcaba así los cuadros de su colección. 

El aspecto feroz de los gatos enfrentados nos da pie a considerar el tema de los animales que pueden infectarse por COVID-19, entre los que se cuentan los felinos. 


Qué sabemos actualmente de la infección por SARS-CoV2 en animales? 

  • - No conocemos todavía el origen exacto del brote actual de la enfermedad del coronavirus 2019 (COVID-19), pero es probable que se originara en un animal, probablemente un murciélago.

  • - De momento no hay evidencia de que los animales tengan un papel importante en la propagación del SARS-CoV-2, el virus que causa la COVID-19, a los humanos, por lo que el riesgo de que los animales transmitan el COVID-19 a los humanos se considera bajo, aunque conviene cerciorarse realizando más estudios sobre el tema.

  • - Los enfermos con COVID-19, tanto si está confirmado como si es una simple sospecha deberían evitar el contacto con animales (mascotas, ganado y vida silvestre) ya que los animales pueden ser portadores de las partículas virales. 

Qué animales son los más susceptibles de infectarse por SARS-CoV2?

Según un estudio del Centro de Regulación Genómica (CRG) publicado en PLOS Computational Biology, el animal más propenso a contraer la Covid-19 es la especie humana y le sigue el hurón. En menor medida, también puede afectar a  los felinos, civetas y perros.

Los leones del zoo de Nueva York, o los del zoo de Barcelona han pasado la infección. Por las características de estos felinos, no han estado en contacto cercano con los humanos (tampoco con sus cuidadores) por lo que no han contagiado la infección a los humanos. 

Los científicos autores del trabajo han estudiado también  otras especies animales (ratones, ratas, cerdos, pollos y patos) sin encontrar ningún caso de positividad en ellos. 

Los investigadores usaron modelos computacionales para probar cómo el virus SARS-CoV2 utiliza sus proteínas espiga. Estas proteínas sobresalen de la superficie del virus y se infiltran en las células de diferentes animales. El principal punto de entrada en las células es el receptor ACE2, que se une a la proteína espiga encajandode la misma manera que una cerradura y una llave. Existen muchas variantes diferentes de ACE2 en las diferentes especies, y estas variaciones explicarían la mayor susceptibilidad de las distintas especies animales. Esta variabilidad también explicaría los diferentes grados de gravedad de los humanos infectados por el coronavirus. 

Estos hallazgos pueden explicar por qué la enfermedad puede afectar a los visones, un animal muy similar a los hurones. Su hacinamiento en granjas favorecería la transmisión entre estos animales. La posible transmisión de los visones a sus cuidadores y la detección en ellos de una variante del virus, que podría causar la inoperancia de las vacunas actualmente diseñadas ha planteado la conveniencia del exterminio masivo de estos animales de granja.





jueves, 10 de diciembre de 2020

Gustav Klimt y la embriología






Gustav Klimt

Dánae 
(1907)

Pintura al óleo y lienzo.
(77 x 83 cm) 
Leopoldmuseum. Viena



Uno de los objetivos de este blog es, como es sabido, buscar la interrelación entre arte y medicina. Y uno de los aspectos más interesantes es como el conocimiento científico ha influído en la obra de algunos artistas. El comentario de hoy me ha sido sugerido por el Dr. Dídac Miró, compañero de mi promoción de la Facultad de Medicina, que me ha revelado algunos aspectos muy interesantes sobre la obra de Gustav Klimt, y a quien agradezco desde aquí su colaboración y que sea uno de los más fieles lectores del blog "Un dermatólogo en el museo". 

Gustav Klimt (1862 – 1918) fue un célebre pintor simbolista austríaco, uno de los más destacados del movimiento modernista de la Wiener Sezession. Su estilo, muy ornamentado se centra frecuentemente en la figura femenina, elaborando un complejo discurso entre la represión, la libertad, la feminidad y el erotismo, en la que puede entreverse la influencia del pensamiento de su conciudadano y coetáneo, el neurólogo y psicoanalista Sigmund Freud (1856-1939).

Uno de los más famosos cuadros de Klimt es Dánae, un tema mitológico que fue muy representado como símbolo entre el amor divino y la trascendencia. Artistas como Tiziano, Gentileschi  y Rembrandt le dedicaron algunas de sus obras.  

En la mitología, Dánae (en griego Δανάη, 'sedienta'), era la hija de Acrisio, rey de Argos. Un oráculo había advertido al monarca que moriría a manos del hijo de su hija. Intentando esquivar el fatal destino, Acrisio decidió encerrar a Dánae en una torre de bronce. Pero el lascivo Zeus, que deseaba a la hermosa joven, se transformó en una lluvia de oro para unirse a ella y fecundarla. En el cuadro de Klimt, este hecho es representado por el torrente de monedas y filigranas de oro que fluye entre las piernas de la muchacha, mientras la expresión de la cara con los ojos entornados y la boca entreabierta revela el intenso orgasmo que la cópula divina le produce. 

El cuadro de Klimt es pues un canto a la fertilización. Dánae aparece sensualmente enroscada, retorcida de placer. La larga y provocativa cabellera pelirroja contribuye a aumentar todavía más la carga sensual de la escena. Los contornos distorsionados del cuerpo, con sus exuberantes muslos hacen que el observador pueda casi percibir el gemido de placer de la princesa. Pero la joven aparece encerrada en sí misma, disfrutando su placer ajena a todo lo que sucede a su alrededor. Es un placer personal, casi solitario, en el que el elemento masculino casi ni aparece, y se reduce a un pequeño rectángulo negro simbólico frente a su vulva, en medio de la desbocada corriente de oro. Karl Kraus, un especialista en Klimt, destaca: 
"La lluvia dorada que se desliza en el cuerpo transformado de Dánae da a este antiguo motivo algo sagrado, como si hubiera trascendido este mundo. Consigue lo que una pareja masculina nunca podría hacer: transformar la carne en una obra de arte. El erotismo se convierte en un icono. La obra representa la feminidad completamente autónoma".
Merece la pena fijarnos en la postura de Dánae. Una posición que aumenta el fuerte erotismo que quiere transmitir la obra, pero que a la vez anticipa la postura fetal del fruto del mítico apareamiento, y evoca la gravidez producida por la lluvia de oro, el embarazo tan temido por Acrisio. Efectivamente Dánae quedó embarazada tras esta visita de Zeus y alumbró a Perseo. A pesar que Acrisio montó en cólera y los expulsó de palacio, Zeus los protegió y más tarde Perseo se convirtió en el héroe que decapitó a la Medusa y el que rescató a Andrómeda. 

Por cierto que, años más tarde Acrisio asistió a unos juegos, en los que sin saberlo, participaba Perseo. Cuando éste último lanzaba el disco, un fuerte viento lo desvió golpeando accidentalmente a Acrisio en la cabeza y matándolo. El viejo rey murió pues por el disco que había lanzado su nieto. Nadie puede escapar de su destino, que siempre acaba cumpliéndose.  

Pero volvamos a la obra de Klimt. Como hemos visto, el cuadro es un canto al erotismo y a la fecundación. El cuerpo curvilíneo de Dánae aparece medio envuelto en un velo de púrpura real símbolo de su linaje real, una tela estampada con unas formas redondeadas de color dorado. A primera vista, pueden pasar por elementos meramente decorativos, tan habituales en la pintura de Klimt, pero en realidad tienen un profundo significado biológico. 

Estas formas más o menos esféricas toman la forma de un blastocisto, el estado temprano del desarrollo embrionario de los mamíferos. Después de que el espermatozoide ha fecundado el óvulo se forma el zigoto y empieza la división celular dando lugar al blastocisto. Un blastocisto es un embrión de 5 o 6 días de desarrollo tras la fecundación. Se trata de un estadio del desarrollo del embrión previo a su implantación en el útero. En la fase de blastocisto, el embrión presenta una estructura celular compleja formada por aproximadamente 200 células; lo forman las células del trofoectodermo, que formarán la placenta, y las células de masa celular interna que formarán el feto. Además, presenta una cavidad central llena de un líquido denominado blastocele, y todo el conjunto descansa sobre una capa protectora llamada zona pelúcida.



Fotografía de un blastocisto

Adjuntamos una imagen comparativa entre los blastocistos y las formas alusivas pintadas por Klimt. 



Detalle de las decoraciones del manto de Dánae en la obra de Klimt (arriba). 
Compárese con el esquema de un blastocisto (abajo). 




Pero para representar un blastocisto como símbolo de la fecundación se necesita un cierto conocimiento embriológico. Aunque los blastocistos eran bien conocidos en aquel momento ya que habían sido descritos por August Raubert y Rudolph Leukart en 1880, no eran bien conocidos por el público en general, y sorprende tal conocimiento en un pintor. Por esto podemos estar tentados a atribuir a una mera coincidencia las formas representadas en el manto de Dánae. Incluso algunos críticos, como Florman, creen ver en las formas realizadas por Klimt una cierta influencia del arte micénico. 


Vilma Lwoff-Parlaghy: Retrato de Bertha Szeps-Zuckerkandl (1886)


Sin embargo, no es así. En el fin de siècle Viena se había convertido en un hervidero de científicos, literatos y artistas, y los intercambios intelectuales eran frecuentes. Gustav Klimt asistía con frecuencia al famoso Salón literario de Bertha Szeps-Zuckerkandl (1864–1945), una activa crítica de arte, escritora y periodista. En las tertulias que organizaba en su casa se daba cita con frecuencia la élite artística y científica del país, con destacadas personalidades, como el arquitecto Otto Wagner (1841-1918), el escultor Auguste Rodin (1840-1917), o el compositor Gustav Mahler (1860-1911). El marido de Bertha era Emil Zuckerkandl (1849-1910) catedrático de Anatomía. Gustav Klimt sugirió a Emil que impartiera una serie de conferencias sobre biología y anatomía al grupo de amigos artistas, en las que cautivó a la audiencia al mostrar proyecciones con imágenes de secciones microscópicas de vasos sanguíneos, piel, células cerebrales y otros tejidos. 


Emil Zuckerkandl (1849-1910) 

Otro habitual de estas reuniones era el famoso embriólogo Hans Leo Przibram (1874-1944), fundador y director del Instituto de investigaciones biológicas Vivarium en el Prater Park de Viena, una de las instituciones más avanzadas en biología experimental en la Europa de la primera mitad del s. XXPrzibram fue uno de los primeros embriólogos en incorporar la química, las matemáticas y la biomecánica en sus explicaciones. Además era un notable escritor y artista. Sus dibujos se expusieron en la Sezession y colaboró con Ver Sacrum, la revista oficial del movimiento secesionista. 



Hans Leo Przibram (1874-1944)


La amistad de Klimt con Przibram y Zuckerkandl y las largas conversaciones y comentarios con ambos científicos introdujeron al pintor en el apasionante mundo de la biología, revelándole muchos aspectos del desarrollo embrionario. Klimt, que quería representar en su obra la fertilidad, aprovechó estos conocimientos para añadirle el elemento simbólico por antonomasia, la imagen del primitivo estadio embrionario. 

Por otra parte, el flujo de oro que corre por entre los muslos de Dánae es una alusión muy evidente a una eyaculación, con el torrente de espermatozoides de cabeza redondeada (monedas) y largo flagelo (las formas de cadenitas de oro alargadas, que algunos han interpretado también como cromosomas) 

Podemos decir así que en la pintura Dánae se representa el encuentro de Zeus y Dánae, por una parte, pero también la unión de ciencia y arte en la Viena de la Sezession


Gustav Klimt. El beso. 


Puede ser que los conocimientos de embriología también hayan sido insinuados por Klimt en otras de sus obras. Según nos comenta el Dr. Dídac Miró, muchos críticos también han interpretado en clave biológica las decoraciones presentes en otras pinturas del artista. En la que tal vez es su obras más emblemática, El beso, el vestido de la mujer está lleno de formas redondeadas que pudieran aludir a los óvulos. Un símbolo femenino que también repite, como un leit-motiv en otras obras como Serpientes de agua. En contraste, el cuerpo del varón estaría recubierto por rectángulos alargados que tal vez puedan representar espermatozoides de forma esquemática y simbólica. Si aceptamos esta interpretación, tal vez cobra un mayor sentido el pequeño rectángulo negro que hemos destacado ya en el cuadro de Dánae.  


Dibujo esquemático de un corte de un óvulo humano y de células
de la corona radiada post ovulación. Anatomía de Gray (1911)




Detalle de los círculos concéntricos y rectángulos alargados en El Beso.
Aluden a óvulos y espermatozoides?


Agradezco la colaboración, comentarios y búsqueda bibliográfica de esta entrada al Dr. Dídac Miró. 




Bibliografía

Ariño H. Gustav Klimt y el desarrollo embrionario. Bioillustra (blog). https://bioillustra.com/2018/06/10/gustav-klimt-y-el-desarrollo-embrionario/

Florman, L. Gustav Klimt and the Precedent of Ancient Greece. Art Bulletin 72, 310–326 (1990). (cit. por Gilbert y Brauckmann) 

Gilbert SF, Brauckmann S. (2011). Fertilization Narratives In The Art Of Gustav Klimt, Diego Rivera And Frida Kahlo: Repression, Domination And Eros Among Cells. Leonardo. Volume 44, Issue 3. 221-227. https://works.swarthmore.edu/fac-biology/158

Livingstone, MS. 
The Art and Science of Embarrassing Art. Smithsonian Magazine, March, 21  2012. https://www.smithsonianmag.com/history/the-art-and-science-of-embarrassing-art-162978657/