Los enanos de Zuloaga

 versió catalana | versión española

Ignacio Zuloaga La enana doña Mercedes  (1899)  Óleo sobre lienzo 130 x 95 Musée d'Orsay. París.

Las pinturas de enanos acondroplásicos y otras alteraciones fueron una temática frecuente en las cortes barrocas. Recordemos que Velázquez dejó numerosas obras que testimonian la función de bufones que algunos de estos personajes tuvieron en el entorno de los monarcas hispánicos de Casa de Austria. Siglos más tarde, Ignacio Zuloaga, retomó este tema, demostrando que no rehuía la representación de lo patológico. Tal vez el más famoso de ellos fue Gregorio el Botero, que llevó al salón de la Société Nationale des Beaux-Arts en 1908, el mismo año en que realizó también Gregorio en Sepúlveda (Pedraza, Museo Zuloaga). Zuloaga representó en este enano la encarnación de la España de 1898, la profunda crisis social y económica de un país que había perdido sus colonias tras haber intentado de forma vergonzosa gran cantidad de maniobras infamantes. José Gutiérrez Solana definió a Gregorio como  

"un monstruo de pesadilla, contrahecho, ridículo, espantable, con sus manos torcidas, manos de manco"

Zuloaga: Gregorio el Botero

Zuloaga: Gregorio en Sepúlveda (1908)

No fue este el único enano que representó Zuloaga. En la obra que encabeza este artículo representó a una  acondroplásica, la señorita Mercedes Bouey.  Pintó este cuadro en en el salón de Le Couénic, la casa con jardín que Marie-Louise Thierrée, segunda esposa y viuda de Albert Dethomas, poseía en la localidad de Saint-Médard-en-Jalles, cerca de Burdeos. En esta casa,  pasó el pintor el verano de 1899 con su mujer, Valentine Dethomas, pocos meses después de su boda, celebrada el 18 de mayo de ese año. La casa no existe ya en la actualidad. 

La enana doña Mercedes, no está exenta de reminiscencias históricas. Su aspecto, su mirada fija en el espectador, su vestido azul bordado, nos recuerda bastante la Maribárbola de Las Meninas de Velázquez. 

El salón muestra un ambiente antiguo, decorado con muebles franceses de color oscuro. A diferencia de los artistas del Siglo de Oro que representaban los bufones al mismo nivel que el artista, Zuloaga utiliza un punto de vista más alto, que acentúa la deformidad de la figura, baja y gruesa. La enana muestra su cabeza a un nivel más bajo del nivel de los muebles del fondo. 

El recurso de la bola de cristal aumenta la impresión óptica de volumen de la enana. La esfera produce una distorsión muy expresiva de las partes reflejadas en ella del cuerpo de la figura, y permite la incorporación del resto de la estancia en el reflejo. En éste puede verse al propio artista que. sentado ante el caballete, recibe la luz de su lado izquierdo a través del gran ventanal del fondo, probablemente uno de los que daban a la fachada principal de la casa, orientada al jardín. 

Zuloaga evoca así los precedentes pictóricos de los reflejos en espejos y superficies convexas (Van Eyck y otros artistas del Renacimiento flamenco, y ciertas pinturas holandesas del siglo XVII), en las que los espejos convexos reflejan también al artista que pinta ante su caballete. 

La cara de doña Mercedes presenta abundantes nevus pigmentarios.

Desde el punto de vista médico, aparte de la acondroplasia, bien evidente, con la macrocefalia y la nariz en silla de montar característica, la enana doña Mercedes presenta sobre su piel diversos nevus pigmentarios, bien delimitados. Tres de ellos en la frente   

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Els nans de Zuloaga

Ignacio Zuloaga La nana donya Mercedes  (1899)  Oli sobre tela 130 x 95 cm Musée d'Orsay. París.

Les pintures de nans acondroplàsics i altres alteracions van ser una temàtica freqüent a les corts barroques. Recordem que Velázquez va deixar nombroses obres que testimonien la funció que alguns d'aquests personatges van tenir com a bufons a l'entorn dels monarques hispànics de la Casa d'Àustria. Segles més tard, Ignacio Zuloaga, va reprendre aquest tema, demostrant que no defugia la representació de patologies. Potser el més famós de tots va ser Gregorio el Botero, que va portar al saló de la Société Nationale des Beaux-Arts el 1908, el mateix any en què també va realitzar Gregorio a Sepúlveda (Pedraza, Museu Zuloaga). Zuloaga va representar en aquest nan l'encarnació de l'Espanya de 1898, la profunda crisi social i econòmica d'un país que havia perdut les colònies després d'haver intentat de manera vergonyosa gran quantitat de maniobres infamants. José Gutiérrez Solana va definir a Gregorio com 

"un monstre de malson, contrafet, ridícul, espantós, amb les mans tortes, mans de manc"

Zuloaga: Gregorio el Botero

Zuloaga: Gregorio en Sepúlveda (1908)

 

Però aquest no va ser l'únic nan que va representar Zuloaga. A l'obra que encapçala aquest article va representar una acondroplàsica, la senyoreta Mercedes Bouey. Va pintar aquest quadre al saló de Le Couénic, la casa amb jardí que Marie-Louise Thierrée, segona esposa i vídua d'Albert Dethomas, posseïa a la localitat de Saint-Médard-en-Jalles, a prop de Bordeus. En aquesta casa, el pintor va passar l'estiu del 1899 amb la seva dona, Valentine Dethomas, pocs mesos després del seu casament, celebrat el 18 de maig d'aquell any. Actualment la casa ja no existeix.

La nana Doña Mercedes no està exempta de reminiscències històriques. El seu aspecte, la seva mirada fixa a l'espectador, el vestit blau brodat, ens recorda força la Maribàrbola de Las Meninas de Velázquez.

El saló mostra un ambient antic, decorat amb mobles francesos de color fosc. A diferència dels artistes del Segle d'Or que representaven els bufons al mateix nivell que l'artista, Zuloaga utilitza un punt de vista més alt que accentua la deformitat de la figura, baixa i gruixuda. La nana té el cap a un nivell més baix del nivell dels mobles del fons.

El recurs de la bola de vidre augmenta la impressió òptica del volum de la nana. L'esfera produeix una distorsió molt expressiva de les parts on s’hi reflecteixen el cos de la figura, i permet la incorporació de la resta de l’estança al reflex. En ell s’hi pot veure el mateix artista que, assegut davant del cavallet, rep la llum del seu costat esquerre a través del gran finestral del fons, probablement un dels que donaven a la façana principal de la casa, orientada al jardí.

Zuloaga evoca així els precedents pictòrics dels reflexos en miralls i superfícies convexes (Van Eyck i altres artistes del Renaixement flamenc, i algunes pintures holandeses del segle XVII), en què els miralls convexos també reflecteixen l'artista que pinta davant del seu cavallet.

La cara de doña Mercedes presenta abundantes nevus pigmentarios.

Des del punt de vista mèdic, a banda de l'acondroplàsia, ben evident, amb la macrocefàlia i el nas en sella de muntar característics, la nana Doña Mercedes presenta diversos nevus pigmentaris a la pell, ben delimitats, tres d’ells al front.

Pelirrojos (I): Incidencia y distribución

Dante Gabriel Rossetti  Pia de' Tolomei   (1868-1880) Óleo sobre lienzo Spencer Museum of Art.  Universidad de Kansas.

Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) fue un pintor, ilustrador, poeta y traductor inglés. Era hijo de un emigrante italiano, traductor de Dante, a lo que el pintor debe su nombre de pila. Su pintura, inspirada en los primitivos italianos, se encuadra en el movimiento prerrafaelita temprano. 

Dante Gabriel Rosetti: Lady Lilith (1873)
Museo de Arte de Delaware. 

En la obra que encabeza este escrito Rossetti tomó como modelo a Jane Morris. Aparece una figura femenina sentada enmarcada en unas hojas vegetales detalladas con técnica primitivista. Tiene la cabeza melancólicamente inclinada y una mirada ensimismada, que expresa un gran aislamiento de todo lo que le rodea . Como en muchas otras de las pinturas de Rossetti, destaca la fulgurante cabellera pelirroja, que introduce un cierto componente de calculada provocación.  

Matisse: Autorretrato

La pigmentación de la piel se produce, como es sabido por la melanina. Existen dos tipos de melanina: la eumelanina y la feomelanina. La mezcla de los dos tipos de pigmento, tanto en proporción como en distribución, es la responsable de todos los tipos de colores de pelo y de piel que tenemos los seres humanos. De los aproximadamente 20.000 genes que tenemos nada menos que 650 genes que regulan la coloración de la piel y el pelo, lo que comentaremos en una próxima entrada del blog.

Una ilustre pelirroja:
La reina Isabel I de Inglaterra. 

Aunque a veces se afirma que los pelirrojos constituyen un 1% de la población mundial, lo cierto es que no llegan ni a un 0,6%. Pero en ciertos lugares, esta proporción es bastante mayor: Irlanda (480.000 pelirrojos: 10 % de la población), Gales (306.000 pelirrojos: 10 % de la población) o Escocia (529.000 pelirrojos: más del 12 % de la población). A consecuencia de las oleadas migratorias procedentes de estas zonas también se encuentran pelirrojos en otros países (EEUU, donde son el 6% de la población, o Australia...). En Inglaterra el porcentaje es menor que en otras zonas británicas, aunque mayor que en el resto de países de Europa. Algunos personajes célebres ingleses, como la reina Isabel I o Enrique VIII fueron pelirrojos. También artistas como Tiziano, Matisse y Van Gogh. La lista de personajes pelirrojos podría ser larguísima: Vivaldi, Oliver Cromwell, el general Custer, Galileo, James Joyce, Lenin, Shakespeare, Mark Twain, George Washington... También podemos recordar algunas artistas cinematográficas como Rita Hayworth, Bette Davis, Deborah Kerr, Katherine Hepburn o Nicole Kidman.  

Frecuencia de los pelirrojos en Europa (tomado de The Guardian) 

 
En la Península Ibérica encontramos mayor población de pelirrojos en Galicia, Asturias, País Vasco, lugares en los que ha habido históricamente una mayor relación con Irlanda o incursiones de las Islas Británicas. Pero también en Huelva, situada en una región atlántica y donde también la influencia británica dejó su huella. En esta zona onubense precisamente abunda el apellido Bermejo, que probablemente hace referencia al color del cabello. En el Mediterráneo encontramos pelirrojos en proporción elevada en Menorca, isla que formó parte del Imperio Británico durante el s. XVIII. En el área lingüística catalana es frecuente el apellido Roig (Rojo). También el Red, Fox y Flynn en el área sajona denota esta característica. Sin olvidar el Rossini italiano. En los países germánicos el apellido Rotbart deriva de "barba roja".  

Arthur Hughes: In the grass. Walker Art Galleries. 

Aparte del aspecto del cabello, los pelirrojos presentan una piel extremadamente clara, que los hace más sensibles a los rayos UV: se queman con más facilidad, presentan efélides casi siempre y tienen una mayor incidencia de melanoma, por lo que deben controlar especialmente los nevus y cualquier alteración que aparezca sobre su piel. 

También presentan otras características menos conocidas como una mayor percepción del dolor (pueden necesitar mayores dosis de algunos tipos de anestesia).  Por ejemplo, toleran menos el "dolor" del frío o del calor intenso, en cambio toleran un 25% más el dolor de la corriente eléctrica que cualquier otro tipo de color de pelo. Aún no se sabe el motivo, pero está demostrado que sienten el dolor de otra manera. Tal vez por eso, en el pasado se acuñó la leyenda de los pelirrojos como personas extrañas y sospechosas. Una leyenda totalmente injusta, ya la única diferencia real de ser pelirrojos es que se precisa una mayor precaución con el sol.  Tan malo no debe ser, cuando en 2006 en EEUU se gastaron 123 millones de $ en tintes para teñir de rojo el cabello. 



Bibliografía


Biosíntesis de eumelaninas. 
https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:BIOS%C3%8DNTESIS_DE_EUMELANINAS.png

El hijo del traductor de Dante. El rebobinador
http://masdearte.com/especiales/rossetti-el-hijo-del-traductor-de-dante/

Lalueza Fox C. El color sota la pell. Rubes ed. Barcelona, 2003. 

Montoliu Ll. Genes, colores y pelirrojos. Naukas. Ciencia, escepticismo y humor. 
https://naukas.com/2018/12/18/genes-colores-y-pelirrojos/

Pelirrojos.org Verdades y mentiras sobre pelirrojos. 

https://www.pelirrojos.org/verdades-y-mentiras-sobre-pelirrojos.php

Un nevus en las agitadas noches berlinesas

Christian Schad  Retrato del conde Saint Genois  de Anneaucourt (1927) Óleo sobre tabla, 103 x 80,5 cm Musée Nationale d’Art Moderne Centre Georges Pompidou. París.

Christian Schad (1894-1982) fue un pintor expresionista alemán. Tras estudiar arte en la academia de arte de Munich, en 1915 huyó a Suiza para evitar combatir en la I Guerra Mundial y participó del movimiento dadaísta. A partir de 1918 desarrolló una versión propia del fotograma, (imagen fotográfica obtenida colocando objetos sobre una superficie sensible y exponiéndolos directamente a la luz); Schad llamó a sus fotogramas «schadografías», en los que se imprimía una silueta sobre papel sensible a la luz. Tras una estancia de dos años en Italia se trasladó a Viena y entró en contacto con el movimiento expresionista Nueva Objetividad. A finales de los años 20 se instaló en Berlín. Su arte, como el de otros pintores del expresionismo alemán fue considerado "arte degenerado" por los nazis, aunque no fue perseguido con la misma virulencia que otros artistas de esta tendencia como Otto Dix, George Grosz, Max Beckman o Kirchner. 

Christian Schad, como los otros autores citados arroja sobre el sórdido mundo de entre-guerras una mirada sarcástica, implacable e inmisericorde. 

El cuadro que nos ocupa hoy se presentó por primera vez en Berlín en la Kunsthandlung Frik Gerlitt en 1929 y poco después en la exposición de la "Neue Sachlichkeit" en el Stedelijk Museum de Amsterdam, a finales del mismo año. 

La dimensión subversiva de esta obra de Schad se refleja de entrada en la técnica utilizada. La pintura, un óleo sobre un soporte de madera, nos recuerda un estilo que generalmente asociamos al arte medieval, que busca transmitir mensajes transcendentes. Christian Schad, un artista ex-dadaísta, recupera esta técnica intencionadamente para modelar las imágenes de su  tiempo y elaborar una crónica de una sociedad decadente y nihilista. 

El  Retrato del conde St-Genois d’Anneaucourt es el de uno de los protagonistas más célebres de la sociedad en los años de la República de Weimar. El aristócrata, un vienés de origen húngaro, posa como si fuese un actor, situándose ante un decorado teatral, que nos recuerda algunos callejones de Montmartre.  

El conde, ataviado con un elegante smoking que revela su encumbrada posición social se nos muestra en una encrucijada simbólica de caminos. A su derecha aparece su compañera de giras nocturnas, la baronesa Glaser. A su derecha figura un conocido travesti berlinés que trabajaba en Eldorado, un night-club muy apreciado en Berlín. La composición plantea diversos enigmas al espectador, a propósito de esta relación dual del conde, de probable tendencia bisexual. ¿Dónde está su corazón, dónde está su razón? De las dos figuras, una está de cara mientras que la otra aparece en un entornado perfil, que apenas vela la desnudez de su espalda dejándonos entrever lascivamente sus glúteos. Una lleva en la mano una pluma, un símbolo aéreo, ¿tal vez una alusión a un amor sagrado?, o ¿quizás una relación más bien platónica? El otro personaje lleva grabado en su insinuante vestido rojo una planta que recuerda la adormidera y que puede interpretarse como la toxicomanía que probablemente compartían en las agitadas noches berlinesas.  

En la zona escapular derecha del travesti aparece un nevus redondo, bien delimitado y de color negro, que difícilmente pasa desapercibido a los ojos de un dermatólogo. Un nevus melanocítico, sin duda. La presencia de este lunar nos recuerda la conveniencia de controlar este tipo de lesiones o incluso de extirparlas preventivamente, debido a su potencialidad de degenerar en un melanoma maligno. 

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Narices operadas

Andy Warhol Antes y después (1961)  Caseína y lápiz sobre tela  The Museum of Modern Art. Nueva York

En este dibujo de Andy Warhol de 1961 alude al aspecto de una nariz de perfil antes y después de una intervención de cirugía estética. Su título (Antes y después) lo aclara totalmente. Además, es curioso que aparte de modificar el perfil de la nariz, en la intervención desaparece un nevus en la mejilla. 

A principio de los años 60 comenzaron a popularizarse las rinoplastias entre los personajes del espectáculo. Aunque no se prodigaban como ahora, algunas actrices recurrieron a ella, como fue al parecer el caso de Marilyn Monroe.  

Naturalmente la rinoplastia se conocía desde hacía mucho tiempo antes. No nos referiremos a las técnicas quirúrgicas antiguas, cuando ya se usaba la cirugía para reconstruir narices amputadas como castigo, penalización que se practicaba en la India y en otras culturas. 

Jacques Joseph

Podemos considerar que la rinoplastia tal cual se conoce hoy en día comenzó con las intervenciones quirúrgicas de Johann Dieffenbach (1792- 1847), que publicó en Berlín un libro en el que se abordaba el tratamiento del vértice y el dorso nasal mediante incisiones externas. 


Algunas décadas más tarde, Jacques Joseph (1865-1934), popularizó la rinoplastia externa y endonasal. Se trataba de intervenciones cuyo fin era estético, que no perseguían la reconstrucción de zonas dañadas, o estropeadas, por lo que es considerado el padre de la rinoplastia estética. 

La primera rinoplastia que se realizó mediante incisiones en el interior de la nariz, la realizó el cirujano americano John Orlando Roe en 1887. Esta técnica supuso un gran avance ya que las cicatrices de la operación no eran visibles.

Wilfred S. Goodman

Ya en el último tercio del s. XX, Wilfred S. Goodman publicó un importante artículo sobre rinoplastia por abordaje externo (que luego se llamaría rinoplastia abierta) y que supondría un cambio en la técnica de la rinoplastia. Además de hacer incisiones dentro del pabellón nasal, se realizaba una pequeña incisión en la parte inferior de la nariz, y así se podía acceder a la base del cartílago y el hueso de la nariz. Posteriormente el Dr. Jack Anderson contribuiría a perfeccionar y popularizar esta técnica.  A finales de la década de los 80 la rinoplastia abierta se empezó a usar para la rinoplastia secundaria.

En la actualidad, la rinoplastia es una intervención que ha alcanzado una amplia difusión a la vez que es cada vez más segura, más precisa y más perfecta. Se puede reducir el tamaño eliminando el cartílago, cambiar la forma remodelando la estructura ósea, se puede aumentar mediante la inserción de rellenos de tipo silicona o incluso de tejido de otra parte del cuerpo del paciente. Incluso se ha desarrollado la rinoplastia étnica, ya que los cánones estéticos no son los mismos para todas las razas. El estándar de raza blanca no sirve para personas de otras procedencias y muchos cirujanos han tenido que adaptarse a otros modelos de belleza, dependiendo de las circunstancias de cada paciente. 

Lo cierto es que cada vez hay más profesionales especializados que practican esta intervención y hoy en día está al alcance de todos. 

Marilyn Monroe (II): de modelo a actriz

Norma Jean  posando como modelo  (1945)  Fotografía en blanco y negro Hollywood

Comentábamos en una entrada anterior el impacto que tuvieron las imágenes de Marilyn Monroe popularizadas por Andy Warhol y otros artistas del pop-art y que la convirtieron en uno de los iconos más emblemáticos del s. XX. Su mirada ingenua, su cabellera rubio platino y el atractivo de un lunar al lado de su franca sonrisa quedarán como símbolos de su tiempo. Pero no fue únicamente este impacto artístico, sino su gran popularidad en el cine, su agitada vida sentimental y los continuos reportajes de las revistas las que hicieron de Marilyn un auténtico mito del s. XX. 

Marilyn Monroe (1926-1962), cuyo verdadero nombre era Norma Jean Baker (o Norma Jean Mortenson, apellido de su padrastro), nació en Los Ángeles, en el estado norteamericano de California. Su madre, Gladys Baker, nunca le comunicó la identidad de su padre, y la dejó en manos de un matrimonio amigo hasta que cumplió siete años. A esta edad se la llevó a vivir con ella. 

Sin embargo, solamente un año después Gladys tuvo que ser internada en un sanatorio psiquiátrico afectada de una esquizofrenia paranoide. Años más tarde, cuando Marilyn sufrió repetidas depresiones, le surgió el temor de haber heredado este transtorno psiquiátrico. Nuevamente privada de su madre, la niña ingresó a los 9 años en un ofanato (donde trabajó como ayudante de cocina). Más tarde, vivió en casa de sus abuelos y en las casas de varias familias de acogida. En una de estas casas sufrió abusos sexuales por parte del cabeza de familia. 

Marilyn con su primer marido,  James Dougherty

Tras esta infancia y adolescencia marcada por la inestabilidad emocional y la pobreza, a los 16 años abandonó sus estudios, y trabajó en una fábrica de construcción de aviones. Allí conoció a James Dougherty, un mecánico de 21 años, con quien se casó en 1942, divorciándose 4 años más tarde. 

En 1946, tras su divorcio, un fotógrafo de modas la descubrió y la convenció para que trabajara como modelo. Así lo hizo y fue entonces cuando decidió cambiar el color castaño claro de su cabello por el rubio platino que se convertiría en una de sus características más destacadas. Durante esta época, la todavía Norma Jean realizó un sinfín de campañas publicitarias. Alcanzaron especial popularidad las que hizo para anunciar trajes de baño. Su aire ingenuo y su característico lunar en la mejilla (un nevus intradérmico) comenzaban a hacer de ella una cara conocida.

Paralelamente, su carácter inquieto y su deseo de adquirir nuevos conocimientos la llevó a tomar clases de arte dramático en el Actor's Lab de Hollywood y a asistir a cursos de literatura en la Universidad de Los Ángeles (UCLA). Pronto iba a convertirse en una actriz cinematográfica. 

Howard Hughes, el magnate propietario de la compañía cinematográfica R.K.O le propuso hacer unas pruebas de pantalla para ver como aparecería en una pantalla de cine. Pero Norma prefirió aceptar una oferta de la 20th Century Fox para trabajar unos meses como una actriz de reparto. Fue entonces cuando se decidió a cambiar su nombre por el de Marilyn. El apellido Monroe se inspiró tal vez en el quinto presidente de los Estado Unidos (1758-1831) a quien se atribuye la frase "América para los americanos".

Marilyn y Groucho en Amor en conserva. 

Los papeles de Marilyn en estos iniciales trabajos en la Fox resultaron ser irrelevantes, e incluso en alguna película ni siquiera llegó a aparecer. Por lo que pronto Marilyn pronto pasó a trabajar para Columbia. Con esta compañía actuó en la comedia Ladies on the chorus (1948) de Phil Karlson. Marilyn interpretaba a una modesta bailarina de striptease llamada Peggy Martin y cantaba dos canciones. 

Al año siguiente participó en el que sería el penúltimo filme de los hermanos Marx más o menos al completo (Groucho, Harpo y Chico), Amor en conserva (Love Happy), de David Miller. En la película, Marilyn contoneó sus caderas con tanta donosura que Groucho Marx, que interpretaba al detective Sam Grunion, manifestó su atracción por ella con su habitual histrionismo. 

Marilyn Monroe en "Amor en conserva"

Marilyn Monroe (I): la musa del pop-art

Andy Warhol Marilyn (1967)  Serigrafía 91 x 91 cm

Sin duda uno de los iconos más emblemáticos del s. XX es la imagen de Marilyn Monroe. Además de sus películas y de los frecuentes reportajes sobre ella aparecidos en la prensa del corazón, las serigrafías que realizó Andy Warhol (1928-1987) contribuyeron poderosamente a la consolidación de la imagen de este mito contemporáneo. 

Ray Johnson: Hand Marilyn Monroe (1958)
Tinta y tempera sobre papel 42.5 × 33 cm
Whitney Museum of America

Warhol era uno de los más destacados artistas del movimiento pop y a partir de su obra, Marilyn fue un referente obligado y un mito consolidado. 

Ray Johnson (1927-1995), otro importante exponente del pop y del "mail art" se le adelantó creando en 1958 la obra "Hand Marilyn Monroe". 

Peter Blake: Marilyn (with Diamond Dust)

Los estadounidenses James Rosenquist y George Segal, los británicos Richard Hamilton (My Marilyn, 1965) y Sir Peter Blake -creador de portadas de discos como el de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles- ("Marilyn (with Diamond Dust)") y el sueco Claes Oldenburg ("Tomb design, for Marilyn Monroe") fueron otras figuras destacadas del mismo movimiento artístico que también se inspiraron en la atractiva actriz para realizar algunas de sus pinturas. 

En el último cuarto de siglo XX la fotógrafa Cindy Sherman y la artista de performances serbia Marina Abramovic hicieron también referencias a Marilyn en sus obras. 

La trágica muerte de Marilyn Monroe por sobredosis de barbitúricos en 1962, fue un acontecimiento que causó una gran consternación en todo el mundo. Impresionado como tantos otros por este suceso, Andy Warhol comenzó a trabajar en multitud de obras que tienen a la actriz como protagonista. Y es que el maestro del arte pop estaba tan interesado en mostrar en sus obras productos del consumo de masas, que no pudo desperdiciar la oportunidad de mostrar a la actriz como un producto más perteneciente a la cultura popular y elaborar un discurso sobre la juventud, el destino y la propia muerte, como se desprende de la primera obra sobre la actriz: "Díptico de Marilyn".

Las obras realizadas por Warhol sobre Marilyn Monroe están basadas en la fotografía tomada por Gene Korman para la película Niágara. En total realizó en torno a 50 obras basándose en esa misma imagen. 

Las más famosas fueron probablemente las series de serigrafía conocidas como Marilyn Series. Se trata de 10 serigrafías con la misma imagen pero con distintos colores, sobre papel museo y fueron editadas en 1967 por la compañía Factory Additions. Tienen unas dimensiones de 91 x 91 cm y pertenecen a una edición de 250 ejemplares, de los cuales algunos fueron firmados por el artista y otros inscritos con sus iniciales. Aunque posteriormente se editaron otras series con otros colores (1970, 1985) esta serie es la más valiosa de todas las que se han realizado, habiéndose pagado por un portfolio de Marilyn completo hasta 1,5 millones de dólares.

En todas esta imágenes destaca el lunar que Marilyn tenía en la mejilla (un nevus intradérmico), que era uno de sus más importantes distintivos y que le confería un evidente atractivo. Warhol incluso lo destaca a veces en dos colores, lo que le da mucha más profundidad. También Marilyn solía maquillarlo y destacarlo con color oscuro, que destacaba sobre la blancura de su piel. Un lunar sexy, que llegó a ser mítico. 


Andy Warhol. Marilyn Monroe: